艺术学院1994

我的思绪被中间的照片叙事分割开变成两部分开头甲壳虫往墙上爬的镜头它一次次爬的更高又掉下来 放的音乐很好听一半男性视角叙事一半女性视角叙事，让我忍不住做对比，在那个年代男性总能肆无忌惮的讨论美术讨论艺术，全身心的投入到自己的艺术探索和学习中，但是女性会被各种“结婚”“未来”“恋爱”“外表”填充，这只是说社会的环境导致如此，男性好像更好过更可以“孩子气”纯粹的关注艺术好像不用关注未来和生计，而女性总是要关注很多生活方面。

但导演只是从一个旁观者一个作者的角度不带任何情绪不带偏见的呈现出来是客观的，虽然更多的他是从男性视角讲述的，但作为男性他头脑中女性的部分依旧发挥着作用，这不代表他有多么关注女性他也不需要关注，不单一的从某一性别出发是大脑高度发达的特征之一。

关于爱情的表达印象很深的是两位女主角相亲完去到桥边看夕阳，从嗡嗡嗡吵闹的声音变成安静的场景，让人很有带入感。

电影里的对话很经典很“艺术学院”，作为艺术学院的学生太懂那种莫名奇妙蹦出来的“艺术点子”“对传统和革新的讨论”，还有一些属于国美的场景。

还有塞尚的小便池也是老师喜欢说的一个例子，里面人物形象也很典型，看到他们甚至可以一下浮现出来在学校里见到的“艺术青年”们。

音乐配的也很好。

“情怀”是感动我的一大点，看的时候我止不住的在想这些人应该就是“老式美院学生”，他们当时还是非常单纯纯粹的关注艺术仿佛生活里全都是艺术，现在人和人之间的距离没有那么近了，大家的生活更加丰富了也不是所有人都是真正喜欢艺术才来的艺术学院。

不要会有一起讨论艺术一起乱说的场景了。

也有一种穿越感，画到的很多场景都是我在学校里见过的场景，“哦原来我走过的地方三十年前他们一起走过在聊这些”。

像“画电影票”这样又傻又艺术的奇怪行为不是脑子有点病的都做不出来，还有里面开讲座的老师说“都到齐了吧没到的举个手”，淡淡的冷笑话幽默很吸引我，太喜欢仁科的配音了，片尾曲和插曲都很有艺术品位，不得不说摇滚果然很容易带动情绪又有一种chill的感觉一切都太真实了，像梦核一样，情怀，情怀！

“给我点儿肉，给我点儿血，换掉我的志如刚毅如铁”看的时候也不禁感叹三十年竟然变化这么大，和朋友也会讨论为什么现在的班里没有那种看起来有些“神经”的沉浸在自己的艺术中的学生了和朋友总是开玩笑说“等世界没钱了最先不需要的就是我们这些搞艺术的”，但里面有段对话让我印象很深刻：“可以没有德国，可以没有美国，甚至可以没有面包，但不能没有美！

”（引 安德烈•塔可夫斯基在《雕刻时光》：“可以没有面包，但绝不能没有诗歌。

”）男主角和老师的一段对话也让我在想关于自我表达和学术追求的关系，“站在这里，就是走向世界。

从这里看世界，世界就在这里。

”看的时候也不禁感叹三十年竟然变化这么大，和朋友也会讨论为什么现在的班里没有那种看起来有些“神经”的沉浸在自己的艺术中的学生了。

看完这部电影心中感受颇多，但是就像这碎片般的叙事一样，缠绕着我的更多是一种说不清道不明的情绪，反复品味许多桥段，越发感到惆怅。

朋友说我长得像女主，再加上这部电影是以我的本科母校为原型背景展开的，那我说我不得不看看了。

本没有抱太高期望，因为看介绍感觉是那种大闷片，还有人说是艺术学院版的《银河写手》，矫揉造作、无病呻吟。

我个人蛮讨厌银河写手的，全片都是影视圈内部一些孤芳自赏的文艺逼的加密对话轰炸，且充斥着对女性的刻板印象。

但是看完《艺术学院》后，我想说这两部影片并不能相提并论——《艺术学院》对于艺术学院的学生来说是私人又普适的，它真诚、有点清高却不矫饰，我们都能在这里面找到自己的影子，还有许多熟悉的朋友、老师的身影。

如果你来自艺术学院，你应该会喜欢它。

《艺术学院》讲的是一群面临毕业的南方艺术学院的学生的生活，它没有符合救猫咪节拍表的波澜起伏的剧情，整体充满着对于“艺术”用力但迷茫的求索。

到影片最后，他们也没有找到答案，只是无奈地被时间的潮水推到了属于每个人的岸边。

30年过去了，艺术学院毕业的我们看似多了更多选择，实则依然陷在同样的困境里。

甚至我们比那时候的他们少了很多对艺术不顾一切的热爱，学会了向现实的泥淖妥协。

我们确实也和他们一样天马行空地一边喝酒一边谈论自己对艺术的理解，可大多数初入校园的我们甚至就没有幻想过自己能够成为一个“艺术家”。

我们和剧中的角色一样，最后选择去做一些“不艺术”的事情养活自己，为自己的艺术梦想存钱和幻想。

但是在时间的洪流里，太多东西会被弄丢，蓦然回首时，发现我们离艺术已经越来越远了。

片尾的字幕交代了主角们的未来，其实我觉得此乃闲笔。

其实停留在那场雪就足矣，青春总是这样无疾而终，不必强行圆满，开放式结局也是一种留白美。

不论如何，这也算是主创的美好愿景，愿艺术还是可以给所有真心热爱它的人一些正面的回馈吧。

不过如果是为了过审才这样做，那倒是和张小军的遭遇形成了互文，至此已成艺术。

主角们毕业了，我也毕业了。

毕业典礼当天，我很奇妙地遇到了许多很久没见的人，曾经的朋友、敌人……仿佛是老天安排的一样。

一切过往的爱恨仿佛都灰飞烟灭了，潦草又匆匆地，冥冥之中仿佛在提示我“赶紧多看他们一眼啊，这辈子可能是我和这些人的最后一面了”，我昂起脖子、看了又看一些人的背影、或是赶紧转过头去假装什么都没看见、或是害怕看见故作轻松地走远，说不出什么多余的心情，只剩一丝淡淡的忧愁。

就是这样一部文艺的、淡淡的片子，在淡淡的毕业季，掀起了我心中涌动的波涛。

它并不锋利，却轻轻地“刺痛我”，又让我笑中带泪了。

2025年6月21日 星期六笨重的甲虫在向上爬，跌落，再爬，再落，再爬……一定要成功，我在心中默念。

影片结束的时候，再想起这个开屏的场景，不由得发出疑问——我到底在期待什么？

以及作者为什么要把这部作品带给观众？

自从2024年4月20日看过《大世界》被灰绿色的70年代氛围和粗犷的作画风格吸引，就一直期待着刘健导演的新作。

于是《艺术学院1994》上映当天上午10点就去看了，但是看完惹了一肚子火。

首先是这个故事和前作完全不同，比起说是在讲一个故事，更多像是导演自己的大脑切片，是他自己的经历和回忆录。

一切都显得太过现实——主人公们在青春中迷茫，不断向身边的人、向自己、向空白的画布和蓝天追问，问什么是艺术，问什么是未来，问看得到看不到看得懂和看不懂的所有的事。

求问是一个过程。

于是这部作品就和记忆中的青春一样，没有结尾，没头没尾。

第二是影片分了明显的上下篇，但是由于篇幅限制或者是上映审核，下篇观感非常的奇怪。

就像是一辆载满了大西瓜的卡车，一路颠簸一路高歌，突然方向盘失灵，眼看着瓜果滚落炸裂、爆出红色的血浆，只能在驾驶位捶方向盘大喊：都TM全完了！

第三是我真的看不懂关键角色的心路历程：什么声乐系第一就突然下海当舞女了，怎么纯洁女神就和有钱男的跑国外了，呆呆的室友上哪就整个阳光开朗女朋友，还有张小军你不挺牛吗，面对喜欢的人怎么一句话都说不出来？

这个故事真的，你上天涯论坛发发就算了，不用特意搬到大荧幕上，让观众坐在椅子上两个小时听你说。

后半段我真的是就靠揪我自己的头发，强行集中注意力在那看。

当然，如果我真的不喜欢这部电影，也不会为了它写这么多字。

整部作品最爱的是它的声音，包括配音和所有的采样。

配音其实不用说了，全明星阵容，找的全是演员和知名艺术家，每个角色，哪怕是只出现了两次的配角女室友，都特别特别个性鲜明、真实可触。

黄渤是真的逗，一听他说话就想乐；董子健的声音也超级有磁性，但是好像很久没看到他的影视作品了。

环境音真的有在特别用心去还原：在操场能听到广播朗读诗歌，过一会又有失物招领，说有人捡到一个饭盒；在宿舍里能听见隔壁咳嗽，在宿舍外能听到有人在看足球比赛，情绪激动往楼下扔啤酒瓶子；还有开头提到的甲壳虫，摔在地面，蹬着脚想翻身的窸窸窣窣的声音。

如果我有盲人朋友，一定会推荐TA去听一听这部作品。

或许私信发给那个盲人脱口秀演员吧，等会儿就这么干。

声音之外，或许也是因为题材的原因，作画和情感的细腻程度也比《大世界》要好，前作经常是一个镜头，展现人物停滞思考，下一步直接就是行动。

这一部在保持原有风格的基础上，要流畅很多。

大场景的绘制比如大桥夕阳、晴空蓝天、河和海边，也都特别美，大量的主观镜头，加上影院的大屏幕加持，其实代入感是很强的。

最后聊聊内容吧，作为被所谓的“南方艺术学院”拒之门外的、艺术史学的一知半解、始终对美院怀有滤镜的我，看这部片子常常有一种莫名其妙的熟悉感，它抛出了很多问题，还都是一些终极追问。

在这里，我挑了三个最关键的问题，整理了D教授的回答，结合自己的理解，以供大家参考。

01什么才是艺术，由谁来决定？

从问题本身看，涉及两个层面：一是艺术的本体论（什么是艺术），二是艺术的价值判断（谁来决定）。

历史上无数哲学家争论过这个问题，从柏拉图的模仿说到杜尚的小便池，艺术定义一直在被颠覆。

首先回答第一个问题，什么是艺术？

传统的观点中，模仿说认为艺术就是对现实世界的模仿，比如古希腊艺术和文艺复兴的绘画；技艺说认为艺术需要高超的技巧和精湛的手工艺，也有人说艺术就是要创造美、和谐和崇高。

现代主义的观点对传统有挑战，形式主义拥护者认为艺术的价值在于其本身的形式元素，而非模仿或叙事；也有人认为艺术的核心在于艺术家内在的情感或观念；还有更加叛逆的观点，认为艺术价值就在于对传统的突破、挑战既成的规范。

后现代与当代艺术则展现出更为多元的取向：观念艺术将核心置于概念或想法的传达，认为媒介与形式可以无限拓展；批判性艺术则明确将艺术定位为社会、政治与文化批判的利器；与此同时，观众体验被前所未有地强调，互动与参与成为重要维度；多元文化与边缘群体的艺术实践也获得了前所未有的认可，挑战着传统的西方中心主义艺术标准。

总之，艺术是在特定历史和文化语境中被认可为艺术的事物或实践，其边界和定义持续演变着。

第二个问题，是不是艺术，由谁来决定？

其实决定权属于一个动态的权力网络，涉及艺术家、机构（博物馆/画廊）、评论家、市场（藏家/拍卖行）和公众的互动、协商与共识形成。

首先，艺术家拥有最初的创作意图和宣称权，可以说自己创作的就是艺术，但是至于其宣称是否能被接受，还要取决于其他因素。

第二是艺术机构和专家，馆长与策展人能决定哪些作品被展出；艺术评论家和理论家会阐释作品的意义和价值，影响公众和其他专业人士的理解；艺术史学家能通过历史研究，构建艺术发展的谱系，确定经典和标准；艺术学院和教授能影响和塑造下一代艺术家和艺术观念。

第三是市场和收藏家，画廊与艺术经纪人能推广和销售作品，影响艺术家的知名度和市场价值；拍卖行能制造市场热点和价值标杆（尤其是金钱价值）；收藏家的购买偏好更是直接影响了艺术家的生存和市场地位。

第四就是公众和社会，普通观众通过参观、讨论和消费衍生品，能影响作品或艺术家的普及度和文化影响力；社会思潮、政治环境、科技发展也深刻影响着艺术作品的形态和被认可的标准。

综上，艺术的决定权是流动的，没有任何一方有绝对的权利，各方在艺术场域不断协商、竞争甚至是冲突，共同描摹出艺术的形状，但是公众的接受度一直是艺术“合法性”的重要基础。

02艺术是不是表现美的，什么是美？

这个问题指向的是艺术与美的关系，以及“美”本身的定义，是美学史上最核心的争论之一。

可以从两个层面来解析：首先，艺术是否必须表现美，答案是否定的。

经过漫长的发展，艺术的核心功能已从单纯追求“美”扩展至表达观念、批判社会、传递情感、创造体验等多元维度。

美可以是艺术的一种结果或手段，但绝非其必然属性或唯一目标。

当然，从古希腊到19世纪，“艺术即创造美”是主流观念。

但19世纪中后期现代主义带来了冲击和转折，表现主义和象征主义认为，艺术可以表现痛苦、扭曲、丑、荒诞等强烈情感或内在真实，“真”有时比“美”要更重要；形式主义关注线条、色彩、构图本身的逻辑与张力，超越了对传统“美”的追求；先锋派更是刻意反叛，拥抱偶然、粗粝和现成品。

二战后，后现代与当代艺术，让美被彻底解构和多元化。

观念艺术认为核心是传递思想或者提出问题；批判性艺术认为首要目标是社会政治批判，经常采用令人不适、震惊甚至是丑陋的形式来表达以达到警醒效果；多元文化视角下，承认不同的文化具有独特的审美体系，比如承认非洲面具的力量美，日本侘寂的残缺美等等。

同时，在当代艺术中，仍然有大量的作品追求视觉愉悦或感官体验，但是“美”已经不再是必须或者唯一的标准。

至于什么是“美”，并不存在定论，但有以下主要理论流派。

客观主义者认为，美是事物的固有属性。

古希腊毕达哥拉斯、柏拉图认为，美在于数学比例、和谐、秩序，或是“理型”的显现；中世纪体现神圣秩序，认为美是上帝光辉的反映；启蒙时代人们试图寻找美的普遍法则，如对称、均衡、统一。

主观主义者认为，美存在于观者的感知。

“美不是事物本身的属性，它只存在于观赏者的心里。

”大卫·休谟认为美源于个体的经验、情感、联想和文化背景；康德提出“无目的的合目的性”认为美感是不带功利心的纯粹愉悦感。

关系论＆情境论认为，美并非纯粹客观或主观，而是特定对象在特定文化、历史、社会语境中被建构和认可的价值。

美的标准也随着时代、地域、文化、群体不断流动，例如如唐代以丰腴为美，宋代转向清瘦；不同文化对肤色、体型的偏好差异极大。

美的类型也是多种多样的，比如“优美”普遍和谐、精致，令人愉悦；“崇高美”往往是巨大的、令人震惊敬畏甚至是恐惧的；“悲剧美”通过苦难展现人性的深度与尊严；“荒诞/怪诞美”打破常规，能引起震惊、幽默、反思等复杂的反应；“不完美之美”则欣赏残缺、短暂、质朴等特点。

总而言之，“美”既是感受也是判断，涉及感官愉悦、情感共鸣、智性认知（理性思维、抽象能力、概念化和批判性反思）和文化认同。

不存在放之四海而皆准的美的标准，它深深根植于文化背景、历史语境和个人经验。

理解美，关键在于理解其背后的文化密码与时代精神。

03艺术作品究竟是要展现个性还是追求共性？

艺术作品的“个性”与“共性”并非二元对立，而是处于一种相互缠绕的动态平衡。

从历史视角来看，艺术作品已从“共性规范”抵达“个性解放”。

在前现代艺术中，共性处于主导地位，宗教艺术服务于教会，宫廷艺术往往要遵循贵族的趣味；现代主义革命推动艺术的个性觉醒；后现代至今的艺术，则正在重新发现共性。

例如观念艺术选择用共性符号批判社会，参与式艺术让观众共创以消解作者的权威；身份政治艺术用个体经验为群体代言。

从共性和个性的辩证关系来看，可以拆解为四个层面：1）在创造动机上，艺术创作往往始于艺术家强烈的个人冲动——表达独特的情感、体验、观念、梦境或对世界的个人观察，这是一种内在的、不可替代的驱动力。

然而，即使是极其个人化的表达，其动机深处也潜藏着与外界沟通的渴望。

艺术家希望自己的感受、思考能被理解、被共鸣。

同时，也会自觉或不自觉地回应其所处时代的社会思潮、文化议题或集体经验。

2）在形式语言方面，艺术家通过独特的风格、技法、符号或媒介选择来确立自己的“艺术签名”，这些形式语言是艺术家个人视觉思维和艺术理念的外化，具有高度辨识性。

然而，个性化的形式语言并非凭空产生，它建立在艺术家对既有艺术语言的深刻理解、学习甚至反叛之上。

艺术家需要掌握一定的“语法”（如色彩理论、构图法则、材料特性、艺术类型惯例等）才能有效地、甚至颠覆性的进行个人表达。

3）从接受效果看，作品的独特个性（强烈的个人风格、新颖的形式、与众不同的观念）往往是首先抓住观众吸引力的关键。

然而，作品是否能打动人心、产生深远影响，关键在于它是否能超越个体经验，触及某种普遍性。

当观众在艺术家个人化的表达中辨认出自己也曾体验过的感情，或在艺术家对特定群体和社会现象的关注中看到自身处境的映射时，深刻的共鸣（共性体验）就产生了。

4）从历史价值的维度来看，艺术史的进步往往由那些敢于打破常规、展现强烈个性的艺术家推动，TA们挑战甚至重塑了既有的艺术标准（旧的共性）。

但这些具有革命个性的作品，其历史价值最终在于它们成功回应或者重新定义了其所处时代的核心精神议题、集团困惑或美学追求（新的共性）。

总的来说，艺术的本能是个性的，无个体视角的“艺术”只是装饰或宣传；艺术的生命在共性中延续，无法沟通的“个性”最终会沦为空洞的呓语。

伟大的艺术往往是个体灵魂的彰显，却让所有人在其中照见自己。

04综合以上三个问题和答案，我们终于可以更好的理解《艺术学院1994》。

它的表现形式是高雅的，故事内核是庸俗的，但是确实能调动我们心中关于青春的回忆和体验，甚至能让我们在这个高速的时代重新坐下来讨论“什么是艺术”，就已经可以了。

最后，结尾的黑底白字不用看，但我也不认为真正的结局是与其相反的。

给我信心的主要是片尾崔健的音乐《快让我在这雪地上撒点野》。

结合前面主人公的台词，痛苦才能催发出艺术，在这个漫漫雪夜，我相信，又一个国画大师，诞生了。

另外，真的想说，我到底什么时候才能结束对长发文艺男的迷恋啊！！！

张小军，你明天有空吗？！

编后语：笑，我要是把以上内容背下来，穿越回大三，说不定就有勇气去参加“南方艺术学院”的考试了。

叠甲：没有写过影评，第一篇不像影评的影评，献给最亲爱的《艺术学院1994》。

从电影宫出来时热泪盈眶，那种很强烈属于艺术生“那就是拍给你看的”的归属感，思绪飘回那段躁动又热血，却也是我们打开世界，明白何为我，那所谓“学艺术”的日子。

里面大量密集的主人公们探讨“哲学”“艺术”等虚无缥缈抽象词汇的对话情节：在一个平平无奇的物体前做些小举动，却像是发现了现代艺术的“奥秘”，为自己的”创新艺术”兴奋的仰天长叹。

学生打断老教授关于“西方自由主义与中国传统”的讲座，问上帝是否死了，这些对话看似荒诞但在艺术生生活里见怪不怪， 我们需要搞清楚吗？

并不需要，也无人在乎，这就是我们的生活方式，每天问别人，你觉得什么是艺术，你觉得生命的意义是什么，我不知是不是每个艺术生都有过这样一段又充实又虚无的“发现世界”“想把世界枪毙了”的日子，对世界每天有一百个好奇，是个正常人都觉得无聊和矫情，get不到这些谈论的乐趣。

就像制片人杨诚所言：这部片子是拍给你们看的。

主角脑子不正常到极点，但底色很丧，他似乎是艺术学院一类把“人生是虚无的”作为座右铭的人的典型，他想用这些问题来调侃总觉得没什么意义的空空人生。

他有性格的懦弱，也有很天真不切实际的一面。

当别人都往前走了，他还是站在原地搞不清自己。

这部电影不美化任何一个人，只是展示这个群体最真实的一面。

那是一段很纯粹的每天脑子里做”大艺术家“梦的时段，但和现实世界的残酷碰撞让你很难把那段时代定义成乌托邦，就像海明威笔下“迷惘的一代”，脚是漂浮的，但又有东西拉着你下坠到凡间。

反而是电影结尾求生欲很强的美好结局让人觉得不切实际。

（能理解为了过审查） 看完电影出来和一些没经历过“艺考”或非艺术生聊天，他们说这部电影看的昏迷有毛病，不说人话。

或许这就是我们当年那群人给别人的印象吧，这不是电影的隔阂，是艺术生跟外部世界的隔阂。

听到观众谈论，那个导演真的懂艺术生吗，怎么这些可以随随便便张口就来呢。

但我想说，这就是“学艺术”的常态，我们活在粉红色泡泡里，跳跃又浮躁，对话和行事风格以“老子最大”为主。

《艺术学院》里的人像，就是这样一群又可爱又矛盾百出想做“艺术家”的人。

10年了，我们有得出艺术是什么吗，依然没有，你不用想明白，但是你依然要会去想，这是一种生活状态。

就像电影开头引用的乔伊斯的话：去生活，去犯错，去堕落，去胜利，去在生命中创造出生命。

🎬《艺术学院1994》什么是艺术？

艺术需要学吗？

学艺术是为了出名吗？

这组“灵魂三问”如同三把钥匙，开启了通往特殊年代的记忆之门，也直击今天每一个追逐梦想的人。

1994年的中国，处于经济腾飞与文化转型交汇处。

在那个改革开放浪潮澎湃的时代，市场经济兴起、传统与现代碰撞，艺术的春风随之吹遍了大江南北。

于是，“艺术学院”——一跃成为文化交锋的前沿阵地。

南方艺术大学的一群热血青年，内心怀揣着对艺术的无限热忱，在理想与现实交织中奋力前行。

绘画系的张小军与“兔子”，一边怀揣着理想主义期待获奖，一边被现实主义影响惦记奖金；音乐系的郝丽丽与高红，郝丽丽一心想组建自己的乐队，高红在传统和新潮间摇摆不定。

这段青春轶事，既充满了浪漫的艺术气息，又不乏有残酷的现实磨砺。

站在青春的尾巴上，谁也无法选择停留在原地，他们必须勇敢地做出选择，决定成为怎样的人，走向怎样的未来。

何为艺术，人人都有自己的答案。

艺术就是一切，一切都能是艺术。

无论时代如何变迁，艺术的意义都不止在于功成名就，而更在于内心的热忱与自我实现。

所以，每个人都可以成为艺术家。

爱艺术的人，青春更长久。

艺术学院1994 (2023)6.72023 / 中国大陆 / 剧情 喜剧 动画 / 刘健 / 董子健 周冬雨

“嫁人嫁人，好像你自己不是人似的”太犀利，太好笑啦！

作为曾经的半个艺术生，看到这部电影很有感触作品是本来就伟大而被留下来，还是恰巧被留下来而变得伟大呢？

那些得到的会不会以另一种形式失去呢？

大家在读书的时候总是爱提问，等快毕业了，又总是沉默，各自奔着以为的光明前景，那些崇敬的老师也兴致寥寥，似乎只想关在自己的世界里。

观念艺术到底是什么？

我真的是艺术家那块料吗？

大人们让我走的路到底适用于我吗？

同学们热衷的事情为什么我一点都不感兴趣？

118分钟好像重做了大学四年的路，尽管后来学了别的学科，现在从事着与艺术完全不相干的事业，也还是感谢大学让我形成的审美观感谢艺术，感谢那四年，感谢遇到的所有人和事刘健导演，你真的做到了给予我们勇气用多米诺骨牌让火柴烧起来搞行为艺术，这真的很“仁科”！

很幸运映后也看到了仁科，和我想象的一样，青春洋溢，松弛感十足，美好的夜晚啊！

感谢小红书！

感谢刘健导演，杨城制片人，演员兼音乐人仁科！

终于去看了艺术学院1994。

期待很久，但困于网络评价，去之前还是心里打鼓的，但是好在看完观感很好， 不懂中途离场的原因是什么？

这部电影最可贵之处在于，导演已经“一把年纪”，快退休的人，在杭州从教多年，早已名利傍身，按理说站在了学生的“对立面”。

可依然能有这样创作的活力，提出这么多幼稚、愚蠢的问题，设计这么多可爱的台词。

这多么难得啊！

有多少大学老师在从教后慢慢忘了自己做学生时的冲动、好奇、那种对未来的渴望和追求，那种懵懂的、无知无畏的感觉。

网上很多人说这部电影“全是私货”，是“矫揉造作的文艺青年大集合”。

私以为非也。

首先从我对现场观众的观察来看。

这些所谓文青“装”的名词并没有在观众中引起反感，如果你对培根等人稍有了解，看过几本“包法利夫人的情人”，只会觉得这些词语如喝水一般，并非有故“装”之嫌，何况这是94年的艺术学院，这对于片中的人物来说更是如呼吸般正常。

更令我惊喜的是在场有不少导演年纪的观众，他们也沉浸在电影中，甚至在一些笑点里，他们笑的更大声。

这部电影不仅是一段短暂的乌托邦，更不能简单说成是导演的自嗨。

更像是一名专业教师以一种浪漫的手法向年轻人们做的一场讲座，如何葆有初心？

如果世界少了这些艺术的人，生命也真的失去了一些意义吧。

刘健导演在影迷圈被称为“PPT动画导演”。

2017年，他的动画电影《大世界》获得金马奖，从而为大众所知。

《艺术学院1994》是导演的自传电影，南方艺术学院就是导演的母校南京艺术学院，张小军就是导演本尊吧。

这个电影很传神地还原了七零后象牙塔中大学生们的生活状态、精神状态，观众们会感受到一种矛盾：艺术是理想的，是高贵的同时也是模糊的；金钱是现实的，是庸俗的同时也是清晰的。

导演会为自己的初恋被南大研究生抢走而耿耿于怀，这也是南大学子在大银幕上被黑得最惨的一次，没有魅力，土得掉渣，连名字也叫吴英俊，但人家去巴黎留学了，初恋也就这样被拐走了。

导演将这种怨念通过高红与郝丽丽的争吵发泄出来，但高红也是需要钱的，否则她也不会去酒吧当驻唱歌手，也不会接受有妇之夫的追求……某种程度上，她只是嫉妒郝丽丽的得来全不费工夫吧。

这种矛盾与纠结，最终会被轰隆而至的市场经济列车碾个粉碎。

可以看出，导演深爱南京这座城，片中可以看到明孝陵的石象，玄武湖的晚霞，紫霞湖的正气亭、西南水塔，南京长江大桥，下关码头，南大汉口路大门、北大楼，甚至还能听到紫金山的钟声，作为半个南京人，很开心。

2024-04-20 我们电影市场应当有更多这样的艺术作品。

从《刺痛我》到《大世界》，再到这次的《艺术学院1994》，整体风格越发明显，且朝向观众的观影习惯靠近。

靠近但不谄媚。

之前被诟病的“PPT风格”和“粗糙”，被更高浓度的台词与更多的色彩展示冲淡，但仍然风格强烈。

刘健导演也一直在突破自己，不断进步。

青春好，好在我们可以自己挑片段去剪辑呈现。

用摄影打个比方，如果说很多片子都是油光满面的劣质糖水片，这部更像是添了青春牌UV镜的原图直出。

色彩 现实主义的视角，真实的内心世界，时代洪流下各自的抉择，晃动的青春岁月能且只能用动画电影呈现。

因为回忆里的色彩，和眼前的繁复纷忙妥协绝对是天差地别。

现实生活的色调，还是太过沉重。

追求热爱艺术的人，至今仍然会在现实中迷茫。

导演映后面对提问这样说:“去做艺术就好（大致意思非原话”，这句稍微改一下加入电影里，应该可以更明确一些主创的立场。

映后交流 而作为1994的青春回忆，最后也不是给一个假大空的团圆。

保留一些希望，足够诚恳也足够温情。

片尾字幕我是习惯性视而不见，因为故事本就已在故事讲完的时候讲完。

最后铺垫了很久的崔健，终于从扎眼海报变成了洪亮声音。

《快让我在雪地上撒点野》，梅花香必自苦寒来 难免对生活有时失望，有时觉得乏味，有时欲言又止，或顾左右而言他 但我想艺术作品和创作是顶好的特效药 可以治没有感觉的病。

两场连看 去欣赏，去做艺术就好。

PS，难说丽丽爱小军，贝多芬和科特柯本哪个离摇滚近。

如果爱，至少更多去了解去给予，而不是只用自己的经验去靠近。

在看电影的过程中，我在n多个瞬间都忘记了我在看一部电影。

电影里面的角色跟我做着一样的事，有一样的焦虑，一样的困惑。

这不由得让我很想知道，既然1994年的学生和现在的学生都有着一模一样的莫忙和困惑，那这个时代和这个时代的教育，到底算是进步还是退步呢。

电影里零碎的叙事和看似连贯实则没头没尾，无法连续的感觉都跟在学校里一模一样。

角色每天做着和我现实中一样的事：抽烟、做作业、被骂、翻墙、外出写生、接活、去长江大桥。

不加修饰的非专业配音和毫无光彩的眼神更是加深了真实的感觉，再时不时的穿插一些南京的街景，看电影的时候真的在恍惚了。

恍惚间我就在学校里，恍惚间这段时光可以一直持续下去，恍惚间以为离毕业还很遥远。

在校园里看似发生了很多事情（无论是现实还是电影），比如打架挨处分，谈恋爱未遂，探讨艺术和未来，喝酒抽烟做作业被骂。

但结尾又落在了，周围人好像都找到了以后的路但我还是回到了画室面对着被骂的作品拿起笔的那一刹那。

看完整个电影我只有一个感觉：这就是我虎头蛇尾的大学生活。