芝加哥

芝加哥算是第一部认真看完的音乐剧，不谈三观问题，只是讲讲我片面的观影感受。

之前看过电影里的片段，私心偏爱Velma。

电影看完后对Velma的评价会更加中肯一点，但相较于Roxie还是更喜欢Velma。

清纯中带点小性感怎么说呢？

我不单单只是讨厌Roxie的狡猾多端，其实最让我无法忍受的是她对待Amos的态度。

Amos算是全片三观最正常的一个人，他虽然是Roxie的舔狗，无论发生什么总是无条件相信Roxie（我看到她那张脸也不会怀疑她），但Amos是个懂得把握尺度的舔狗。

在知道Roxie与家具男有染时，他拒绝帮Roxie顶罪；在知道孩子不是自己的时，他毅然决然选择离婚。

反观Roxie，她因为Amos没有帮自己顶罪而恼羞成怒；当所有人抛弃她后，只有Amos在意她，而她却并不在意。

许多这样忘恩负义的时刻就注定了我不会太喜欢Roxie。

Roxie是真切的有一个明星梦，她的出身，她的经历，她的情史都过于普通。

在她作为一个家庭主妇时她没能出名，锒铛入狱后竟然因为恶名成为了“大明星”，但她也只是短暂的被芝加哥爱了一下，就像Billy所说：

That’s Chicago.但并不能说我一点也不喜欢这个角色。

我对Roxie的爱存在于她在舞台上故作性感时略显滑稽的模样，她清纯外表下那颗火热的心真的让我爱到不行！

舞台上的Roxie如果说按照故事性来看，Roxie是女主角；那我认为从综合上看，Velma才是当之无愧的女主角。

舞台上的VelmaVelma与Roxie最直观的不同点在于她对性感的把控更加熟练。

舞台上她永远是风情多种的，即使在杀人后接受记者采访时，她也是一种慵懒的美；而当她渐渐过气，无人问津时，她的光芒也依旧没能被掩盖，出证法庭时还是有把我惊艳到。

即使没有多余的妆容修饰，也依旧美得不可方物Velma的性格也很吸引我。

她懂得变通，初见她时，她因为发现妹妹和丈夫有染，不顾情面的“解决”了他们。

敢爱敢恨，十分果断。

并且在亲手杀了两个亲人后，可以不慌不忙地赶往夜总会进行最后一场演出，在表演时看到警察她也依旧从容，没有出现差错。

即使身为狱中囚，她也依旧保留着独属她的那份傲气和高贵。

而在意识到自己情况不如先前时，她也可以放低身价主动找Roxie希望合作。

I Can't Do It Alone.剧中的每一个舞蹈选段都堪称经典。

我最喜欢的Top3分别是《Cell Block Tango》《We Both Reached For The Gun》以及《Nowadays》。

◾️Cell Block Tango：五位谋杀亲夫的快乐寡妇为您带来一段精彩的女子监狱探戈。

我更改了这个选段原先的介绍，片中的介绍是“六位”，但事实上有一位匈牙利姐姐是被诬陷的杀人凶手，她也是全片最悲惨的一个人物。

唯一无罪的一个人竟然是库克郡立女子监狱第一个被处死刑的人，而真正犯罪的人却摇身一变成为了舞台上的明星，既讽刺又无奈。

我真的太喜欢那句“I didn't do it, But if I'd done it,How could you tell me that I was wrong?”真带感，感觉自己三观开始扭曲惹。

◽️We Both Reached For The Gun：一段十分经典的极具黑色幽默的木偶戏！

这一段正面体现出Billy的辩护能力之强，难怪经他手下没有一个死刑犯被判处死刑。

这段也很形象地表现出了Billy的辩护特点，在他的辩护过程中，整个法庭仿佛变成了一个木偶剧场，而他则是操控这一切的上帝。

Roxie身为被告，也只是剧场中的一个普通木偶，她甚至不用说话，全凭Billy为她制定的专属台词就能一炮成名。

Roxie和Velma之所以是主角就在于她们都不会轻易服从于Billy的操控，她们有自己的意识，会反抗Billy的一些对自己无益的决定。

♠️Nowdays：两名重获自由的监狱之花带来的一场末日狂欢！

平分秋色这段是Roxie和Velma两大女主在电影最后共同在芝加哥大剧院的表演。

也是全片最荒诞无经的一个部分。

为什么呢？

“唯一无罪的女人被处以死刑，而真正的杀人犯却在掌声和灯光下再次持枪。

”电影最后两名女主谢幕时不计前嫌挽手迎接观众们的欢呼喝彩，以及Roxie的那句“Thank you！

believe us，we could not have done it without you！

”真是全片最大的讽刺。

一言以蔽之，看这部电影千万要放下你的三观。

最后，我只想说：I love The Musicals forever!!!

以往写影评总是和学术有关，不论是贾樟柯的《东》也好，纪录片《河流潮汐》也罢，甚至是《WALL•E》都是为了应付一篇篇课堂论文而作。

之所以这样，是因为在混迹校园多年后，我突然发现，从电影中寻找某些学术立场和观点竟是如此切实有效的王道：一方面，对电影情节的大段描述与交代，已经为论文凑够了相当的字数；另一方面，以这种非学术的载体切入，对于作者和读者来说，总能令人兴致勃勃；最后也是最重要的，判卷教师们往往善良地认定这些与生活紧密联系的作业乃是学生自身智慧的结晶，至少可以肯定不是抄袭，因此也很容易获得高分。

总之，在即将成为学术“老油条”之前，我已经习以为常大打类似的学术“擦边球”，并且乐此不疲。

不过，写多了这种东西也会带来一些困惑和苦恼。

比如，在娱乐化学术的同时，事实上，也在学术化生活，陈小编同学曾几次严正告诫我要记得要将学术排斥在日常生活与娱乐之外，否则我将逐渐丧失与他以及广大人们群众的共同语言。

此外，不懂得依据感性判断而不是某种晦涩理论，来撰写一篇纯粹的影评，亦是学术化生活的严重后果。

说了那么多，目的只有一个——争得读者们的谅解，因为我实在不晓得生平第一篇无关学术的纯影评会写成什么样子。

言归正传，十一月初借公务之便，有幸在百老汇Ambassador 剧院半价看了一场音乐剧《芝加哥》，回国后，又趁热打铁观摩了其2002年的电影版。

尽管音乐剧和电影属于不同艺术形式，难免有不可比之处，然而毕竟音乐剧在先又经久不衰、名声在外，因此，我想以音乐剧作为标杆来评价电影也不算离谱吧。

评论的首要焦点当数三位主演的选定。

凯瑟琳•泽塔-琼斯饰演的维尔玛在百老汇中由身材更为高挑壮实的黑人歌手扮演，不得不说泽塔-琼斯比女黑人漂亮得太多了，女黑人虽说容貌尚可、身材也算凹凸有致，但双手及膝的她动作过于硬朗，缺乏一定美感。

相比之下，琼斯在增添不少妩媚的同时，仍秉承了角色率性、泼辣、狂放的气质，实属难得。

唱功方面，尽管琼斯尽了最大的努力，嗓音的爆发力与吐字的清晰也值得肯定，不过与具有先天音色优势的黑人歌手相比总是略逊一筹，凭借这一被上帝亲吻过的嗓音，无怪无论黑人女演员的现场表演有多生硬，甚至搞笑，却从未撼动其在百老汇的一席之地。

连续三次提名奥斯卡一次折桂的芮妮•齐薇格无愧为是一代演技派女皇，她将出身贫寒却随时随地做着明星梦的洛克西刻画得入木三分，洛克西性格中的愚蠢、世故、狼心狗肺均被她拿捏得恰到好处，令人又恨又怜。

齐薇格在电影中的扮相十分惊艳，不过在我看来与角色相比她有些过于撩人了。

大家都记得剧中洛克西男友与其分手亦是被杀的那一幕，男友曾不屑地说：“醒醒吧，老姐，你永远也上不了舞台……你有没有胸，腿又细。

”可见，洛克西应当是个脸蛋可人但身材平平的女人，事实上，这也符合当时大众媒体对其杜撰的修女般生平的渲染。

此外，以提线木偶为背景的歌曲“We Both Reached for the Gun”可能要算作是一个颇为严重的败笔，齐薇格作为木偶过于活分，既没有表现出木偶吱吱呀呀的关节，也没有刻划出听人摆布的无奈，也许正是由于演员的缺憾，导演才不得不将镜头集中在提线木偶道具上，大大弱化了人物自身的戏谑特质。

相反，百老汇剧中的洛克西则由一位身材娇小的老牌爵士演员扮演，尽管貌不出众，却亲切可人并具有很多舞台剧演员特有的喜感，她的出场令人联想到出水芙蓉中与男主角同台演唱的爵士女歌手，一样小巧、一样幽默，是旧时代音乐剧女伶的典型代表，她所带来的“We Both Reached for the Gun”在Ambassador剧场里掀起了一个小高潮。

如果说，电影中的两位女主角至少与舞台剧中的打成平手的话，那么理查•基尔扮演的律师一角则可谓是输得一败涂地。

从外表上来讲，基尔已经老去，任凭眼神如何放电也敌不过百老汇男主角年轻的美貌，尤其是出场歌曲“All I Care About Is Love”的扮相更是没有一丝一毫花花公子的风流；从表演上来讲，基尔扮演的律师狡猾不足、呆滞有余；其演唱水平更是要命，公鸭嗓本身就令人反感，与女记者的二重唱更是不在调上。

奉劝基尔大叔以后还是不要再尝试爱情轻喜剧以外戏路了，否则的话连仅有的师奶影迷都会流失。

看过电影《芝加哥》的人都对女狱卒嬷嬷和洛克西丈夫艾莫斯这两个人物记忆犹新，他们各自的独唱曲目“If You Are Good To Mama”和“Mr Cellophane”成了朗朗上口的经典选段，艾莫斯的扮演者甚至因该角而荣获奥斯卡最佳男配角提名。

然而，相比百老汇的现场演出，电影中的嬷嬷和艾莫斯实在差得太远。

百老汇的嬷嬷至始至终只有灰色西服这一套行头，但天生具有磁性的嗓音与到位的表演，使她只要一出场就能成为舞台焦点，换句话说，她是以气场取胜的。

而电影中的嬷嬷未免太可爱了些，在效仿洛克西的发型后，常令人联想到Hello Kitty。

舞台剧中，唯唯诺诺、其貌不扬的艾莫斯一开始并没有引起我的关注，直至他演唱“Mr Cellophane”，全场为之惊艳：身材滚圆的演员立于舞台中央，一边怯生歌唱，一边左右摇晃，如同不倒翁一般可爱可怜，一双白手套成为他唯一的道具，随着歌词的含义，小幅度地挥舞着双手，似希望引起他人注意又似不希望，唱到酣处，他突然放声，又发觉自身的存在感是如此令人不自在与不好意思，即又恢复到隐形人的状态中。

百老汇艾莫斯的表演非常抓人，将观众带入角色中，忘记了舞台的距离，恨不能走到他身边拍肩以示安慰。

而电影中的“Mr Cellophane”选段则是艾莫斯身着小丑服装演唱的，观众的注意力大半被扮相所吸引，而忽略了对演员与角色自身的体悟，且影片中演唱声音缺乏变化，没能很好地把握与展现人物起伏的心情。

与全世界的其它所有表演一样，舞台剧演员的张力与个性魅力总是电影演员所难以企及的，这也正是在银幕艺术大行其道的今天，舞台剧仍然长盛不衰的原因。

一如华美的服饰，电影中绚丽的舞台背景也削弱了表演的魅力，甚至难免喧宾夺主之嫌。

“Cell Block Tango”描述了监狱6位女囚杀夫的过程，堪称全剧中最黑色、最压抑的歌曲。

舞台剧这一幕中，仅有的道具是六把椅子，每个女人轮流走到台前独自为杀夫申辩，而后一起发出内心最深处的咆哮，简单有力，令人震惊与恐惧。

电影中则增添了许多道具加以支撑，布景使用活动铁门，用红绸带象征鲜血和死亡，此外还有双人舞和情节穿插，所幸的是尽管它们部分地削弱了演员的表演，但整体力度还是达到了预期效果。

顺便提一句，如果我没有看错的话，影片里6位女囚中的唯一黑人正是百老汇音乐剧中饰演维尔玛的演员。

电影《芝加哥》的编剧可圈可点，运用电影独特的手法增添了不少剧情，如此一来虽然欠缺了舞台剧所具有的高度艺术概括性，但从叙事角度来说，在情结的交代与发展上显然更为清晰和可靠。

改编最为明显的是砍掉了女记者的唱段，而将这一角色作为案件的见证推动情节发展。

尽管很遗憾，电影观众无法欣赏到同样好听的花腔女高音唱段（用具有公鸡般音色的花腔女高音来表现媒体，隐喻味十足，亦非常贴切），但以此换来的剧情明晰与完整显然更为重要。

改编电影的另一遗憾是无法展现现场乐队的盛况。

百老汇《芝加哥》里，一支三十余人的现场乐队位于舞台中央，（事实上，这部以爵士乐为主体的音乐剧怎能离开现场演奏的烘托呢？

）乐手们演奏精湛，与演员配合默契，并时时同观众发生互动。

乐队女指挥甚至常常参与报幕与表演，将演奏与表演天衣无缝地溶为一体。

最后，再补充交待几句演出当天的现场情况，位于49街与Broadway交界处的Ambassador剧院并不大，五百人的剧场内座无虚席。

这座有些年头的剧院设施略显陈旧，座位也并不十分舒适，不过一旦灯光照亮舞台，对于演员和观众来说其余一切就都不重要了。

芝加哥：2006年 第75届奥斯卡一心想成名的洛克茜与卖家具的情夫在家云雨 情夫侮辱了洛克茜被枪杀 洛克茜告诉丈夫艾莫斯哈特对方入室抢劫让丈夫顶罪 艾莫斯对警方承认是自己杀人 警方说死者是卖家具的 艾莫斯发现是老婆出轨推翻证词 邻居作证情夫经常来 洛克茜被捕监狱里有明星维尔玛 维尔玛丈夫与维尔玛妹妹私通第十七个动作 横一字 被维尔玛杀死狱警莫顿妈妈介绍伪善律师比利 比利要价五千 艾莫斯给了二千比利同意辩护 洛克茜与比利提线木偶 洛克茜的物品被拍卖 洛克茜告诉莫顿曾和丑陋的走私客一起 丑人总爱带她出去炫耀 洛克茜冒充怀孕引发关注 洛克茜与比利发生争执 匈牙利女犯被绞刑 洛克茜又去找比利 法庭上洛克茜说与情夫抢枪 露吊袜带 装晕倒 维尔玛出庭拿出一本洛克茜的日记被比利指控是伪造的 维尔玛说是有人寄到监狱去的 其实都是比利设局 报纸提前印发无罪和有罪 洛克茜无罪释放 洛克茜等待成名 一女子枪杀丈夫 记者不再关注洛克茜 维尔玛找到洛克茜成立组合罪恶姐妹

电影《芝加哥》中，没有故事，没有新闻，只有炒作，只有若有若无的绯闻计划，只有充满着酸甜苦辣的人生百味，一部歌舞剧竟道出这般深刻的人生哲理，从这个层面上讲，《芝加哥》着实不失奥斯卡水准，当然，亦是一部难得的佳片。

依常理，但凡歌舞剧，其势必喧嚣，其舞蹈必曼妙，要么谈情，要么说爱，风花雪月，才子佳人，加入煽情的成分则华丽转身，变穷小子追逐富家女的千古绝恋，《红磨坊》即如此，但风月归风月，其情虽刻骨铭心，但其理却尽显苍白肤浅。

人间冷暖，人生悲欣，在《芝加哥》中得到了淋漓尽致的完美呈现，观其外，音乐优美，舞蹈华丽，美女帅哥，动人心魂，摄人心魄；品其内，则酸甜苦辣，人生百味尽显无余，细细品味，则觉其内涵越深，其外延越广。

一个是怀揣着明星梦想的美丽女子被情人所蒙骗，结果，一怒之下，开枪将其击毙；一个是歌舞巨星因无法忍受男友和妹妹的暧昧而开枪将两者击毙，两人都被送往医院，等待法院的裁决。

主角的人生就犹如一场过山车游戏，先喜，再悲，再喜，再悲，最后皆大欢喜。

情节曲折，亦耐人寻味，她成功摆脱死刑的判决，和其懂得利用媒体和人们的同情心借机炒作密不可分，其在遭遇读者和媒体的冷漠后，不失时机的炒作自己，炒作大众话题，将其本人事件炒作的风生水起。

在芝加哥没有永远的明星，一切都是浮云，没有什么是恒久的，人们喜欢的只是那一个个的绯闻和炒作，这亦是当今这个媒介社会的真实写照，人生如戏，戏如人生。

在2002年第75届电影界最高荣耀的颁奖典礼奥斯卡金像奖的最后关头——最佳影片的揭晓时间，最终《芝加哥》打败了《钢琴家》等奥斯卡学院派偏爱的文艺片，获得了年度最佳电影！

可以说，一部商业极致的歌舞电影，能得到如此高的荣誉，不仅仅是导演出色的拍摄与剪辑，也与《芝加哥》长盛不衰的音乐有着重要的关联。

既然是歌舞片，要唱也要跳。

电影的音乐与镜头的编排，是在舞台剧中所看不到的。

开场一连串目不暇接混乱的镜头，快板的爵士，欢快的夜总会在等待最佳舞蹈组合凯莉姐妹登场：大家很快便进入氛围。

于是伴随着欢乐的萨克斯风，观众们还没看懂故事是否开始，是怎么回事，Velma便已经枪杀了自己的妹妹和丈夫。

然后欢快的节奏突然减缓进入歌唱配乐，独自一人来到夜总会的Velma上台了。

《芝加哥》最经典的杰作——《All That Jazz》响起。

也许泽塔琼斯扮演的Velma在片头一连串不露脸的混乱快镜头切换，结果终于露出庐山真面目后，那艳俗的妆容让你觉得失望，听完一曲《All That Jazz》后，你就会觉得，导演相中她演这个角色，是完全正确的。

她冰冷的气质，泼辣的说话腔调，高难度的舞蹈，还有一丝不苟的唱功， 实在很难再找到一个比她更完美的女演员。

唱得好的不一定能演，演得好的不一定能唱，更何况还有舞蹈的高要求。

而《All That Jazz》被重新编曲后，显得毫不啰嗦了，舞蹈也更性感更迷人更简练。

二十世纪二十年代末的美国正在被经济危机困扰着，而人们却丝毫不受影响，照样奢糜的都市夜生活，空气里弥漫着香烟与酒精的味道，片头就把纸醉金迷的夜城市氛围毫无保留地展现了出来。

接着便是Velma被捕入狱后，Roxie如何枪杀情夫的情节。

之中包含了Roxie在憨厚的老公Amos做替罪羊对警方招供时演唱的《Funny Honey》，从缓慢抒情的节奏入门，然后Amos说漏嘴，唱腔变从温柔变为愤怒，最后Roxie怒吼收场。

被关上囚车后，背景音乐是一段颇具喜剧感的萨克斯快爵士，让大家丝毫不为这个被情夫辜负的女人入狱感到愤怒或者惋惜，反倒觉得这是很快乐的情节。

监狱里，欢快的爵士依旧没有停顿。

监狱长登场，风骚的一曲《When You Good To Mama》，将黑人擅长的爵士唱得风趣无限。

的确，爵士就是黑人的大粗嗓子唱出来的，白人清亮的声音和萨克斯、没有节拍的钢琴十分不合。

随着Roxie进入牢房，《芝加哥》最经典的一幕开始了。

六个美丽的女杀夫犯叙说自己入狱缘由之歌——《Cell Block Tango》。

依旧遵循了电影的概念，虚拟了一个舞台与现实同时进行。

欢快而愤怒的节奏，剧本作者想让观众们觉得，她们杀夫都是可以原谅的，所有的男人都“had their coming”，自作自受。

但是其中的匈牙利女人是唯一无辜的，因为不会说英语，花不起钱雇辩护律师，所以她也是唯一一个被处死的。

这部电影第一个较大的讽刺，唯一清白的人被绞死了，引用记者的话就是，“她创下了历史，47年来芝加哥处死的第一个女人”。

于是在后半段中，描写Hanya被绞死时，颇为巧妙的手法虚拟了舞台上Hanya表演着匈牙利著名的“大变活人”消失表演，现实的她泣不成声地走上绞刑台；现实中绞刑台下站着的人们一张张惋惜的脸，似乎在感到难过，但是舞台下的芝加哥观众看着韩雅“消失”后全体起立鼓掌，持续的欢呼声呐喊声，这一对比让人强烈感受到芝加哥人们的贪婪心理，看多了女人坐牢还不够，要看绞死女人。

处死韩雅时时候全是让人紧张的密集的鼓点，总希望能有个英雄可以出来拯救这无辜的女子。

可惜紧张的鼓点没让大家失望，现实依旧是现实，如果无辜的人被救下了，这部电影就失去价值了。

另一大讽刺便是男主角——神秘的律师Billy上场时的音乐。

他如痴如醉的在一群性感的女囚中唱着“我不要钱，我只要你们温柔的爱”。

但是现实中却只认钱不认人。

楚楚可怜的韩雅用匈牙利语混合着几句不标准的英语向他求救。

可是现实和舞台还在一直切换，他依旧唱着“我只要爱”。

再谈谈影片十分出色的两个歌舞部分，一是律师Billy和女主角Roxie在记者答辩会上演的木偶双簧戏《We Both Reach For The Gun》，二是Roxie成名后自我陶醉的一段个人秀《Roxie》。

双簧戏是《芝加哥》原本就存在的一场戏，不过在导演的巧妙改动后，简直巧妙地让人拍手叫绝。

歌曲的节奏改得欢快了，两段突然切入成华尔兹的“understandable”显得更有喜剧感，以及记者们木偶一般僵硬的妆容。

巧妙的讽刺，也是对于现在的记者们本性的写照。

双簧戏结束了，Roxie成名了，《Roxie》来了。

电影最精彩的一幕集中体现在这首歌上，完全把歌舞电影相对于舞台剧的优势体现了。

多面镜子的旋转，深黑的大背景衬托主角的闪闪发光的戏服，最后还弄出一个巨大的“Roxie”霓虹灯缓缓上升，巨星感十足。

再说这首歌本身，前奏是一段颇具挑逗性的低音爵士钢琴，主角讲成名经历缓缓道来的一段独白。

随之突然引入歌唱，展现懒散的歌喉和风骚的舞姿。

经典歌词——“谁说谋杀不是一门艺术…她以丑闻走红”。

当今社会还有多少徘徊在二线三线的艺人们为了成名，不惜出卖自身隐私，或者闹出监狱抑或醉酒的丑闻。

说到Roxie，不得不说女主角的出色表演。

瑞妮•齐薇格在那时候，还只是一个小有名气的演员，不算二流明星但在一线众星里她是最平凡的。

我想不通当初是谁借她信心接下Roxie这个角色。

要知道，这可是人称“Diva”的歌剧女主角之位。

而她，既毫无唱功可言，也没有舞蹈功底，身材也不够火辣，更何况年前为了拍《BJ单身日记》还故意增肥了10磅。

不过，她没让我们失望，恢复成了苗条的细腰，也苦练了三个月舞蹈。

唯一的问题可能是唱歌方面。

不过，导演宁愿用一个不懂唱歌的专业的演员，也不会用一个不会演戏的歌手去挑起主角的担子。

更何况，瑞妮的傻傻的气质和不出挑的长相 、身材是Roxie的不二人选。

比她完美的Diva不是没有，不过你总不会想象《歌剧魅影》的女主角艾米•罗森来演Roxie吧。

《Roxie》这首歌所需要的演唱技巧不会很高，没有太多的无旋律的爵士音符，也没有太多需要拖颤音的长音，所以，勉强还是能算一首成功的作品。

一个没接收过歌唱气息训练的人，也无法要求她唱得更好了。

音乐的编排都很切合三十年代的音乐氛围，那时候好莱坞刚从无声电影发展为歌舞电影，歌舞片红极一时，美国都沉溺在Billie Holiday的靡靡爵士中。

不过由于经济危机，“爵士时代”也在三十年代后戛然而止。

一直到二战结束，人们的享乐之心才渐渐找回。

《芝加哥》中的歌曲是那个时代人们奢侈享乐淋漓尽致的体现。

不论是懒洋洋的“Funny Honey”，还是剧终时两位女主人公回到舞台上热烈的地跳“Hot Honey Rag”，穿插在电影里的每一段衬托杀人犯罪的欢快的爵士，法庭上Billy调戏糊弄法官和证人们的一曲“Razzie Dazzie”，都与享乐主义盛行、挥霍无度的社会环境相呼应。

不过商业电影依旧是商业电影，剧终必须是美好的。

即使杀了人没有得到应有的惩罚，两个妞还是“改邪归正”回到了风光无限的舞台上。

如果编剧想让它变得更有戏剧感，结局应该改成：两个女人为了再次成为报纸的头条成为芝加哥的名人，再一次杀掉男人重返监狱。

有一类电影，它们堪称典范，只能模仿，无法超越，它们之后的类型片成为“后××”电影。

例如：后《骇客帝国》时代的科幻动作片；后《指环王》时代的奇幻史诗片。

一类影片因为某一部的功成名就雨后春笋风起云涌，但没有谁能再次成为呼风唤雨的王者。

或许《芝加哥》的出现，也使它之后的歌舞片进入了后《芝加哥》时代，它的完美让歌舞片前景黯然，所有的模仿也许只是另一种空白。

《芝加哥》让人百看不厌，是因为它歌舞升平、流离张弛、戏谑有度、浮光掠影。

本来就不需要太多深入灵魂，香艳魅惑得淋漓尽致，便足够愉悦神经。

《芝加哥》就是如此。

珠光宝气、绫罗绸缎、活色生香、欲望高涨，到处是修饰过度的脂粉气。

它俗气并自负，它却生动无比，它的浪荡狂野让一切清高和矜持黯然失色。

一连串流畅奔放的蒙太奇，舞台和现实一片离奇的混沌，丰乳肥臀香歌魅舞之外，叙事本身即性感迷人。

《芝加哥》的一切都让人大呼过瘾——如果流气的约翰特拉沃尔塔，能取代木讷的理查基尔的话，就全篇完美了。

PS:相比下，《吉屋出租》就显得十分生涩了～～～

这部独特的歌舞剧早在03年的时候我就欣赏过了，前不久又拿出来看了遍。

爵士风味十足的原声音乐、紧凑流畅的剪辑、华丽的道具和舞台效果、演员出色的表演，都是影片的亮点。

一向对Jazz不感兴趣的我第一次发现它的魅力。

开场的《All That Jazz》成为被效仿最多的桥段，今年奥斯卡上还见了碧昂丝和休·杰克曼版的，而罗克茜躺在钢琴上姿态撩人的大唱《Funny Honey》也被侯佩岑用在金马颁奖礼上，最酷的就是那段监狱探戈《Cell Block Tango》！

当一众女囚高唱：“He had it coming! He had it coming!”时，我一边心中OS：“男人都不是好东西！

”，一边对这几个女人竖大拇指，够狠！

我记得05年北京舞蹈学院的毕业演出中就有几个女生表演过这段，也很酷在我的印象中，爵士乐=上世纪二十年代浮华享乐的市井万象。

一战后的二十年代，因美国经济的一片欣欣向荣被美国史学家称为“新时代”，乐观主义情绪弥漫在整个社会中。

繁荣的经济带来声色犬马、纸醉金迷的物质生活，同时也带来了信仰危机和道德缺失。

金钱成了衡量一个人成功与否的标准，名利成了一个人身份和地位的象征。

繁华掩盖下的是人们的精神空虚、道德堕落和两性关系混乱。

当时黑帮横行的芝加哥是汇集了美国社会一切罪恶的渊薮。

对生命的极端漠视、对名利的极度贪婪、追蝇逐臭唯恐天下不乱的新闻媒体、空虚无聊八卦好事的人群，善恶颠倒，黑白不分，世态炎凉。

《芝加哥》就是将人性中最卑劣的心魔放大数倍，给我们展示出这样混乱的社会。

在弥漫着靡费虚度，违反常理的放纵气氛中，欲望操控支配着人类。

印象最深的就是罗克茜首次召开记者会的歌舞表演部分，所有人都是被操纵的提线木偶，被比利这个芝加哥黑暗的代表人物游刃有余的玩弄于鼓掌之间，而在那时的芝加哥，事实也的确如此。

或者说，对于二十一世纪的现在来说，事实也是如此。

笑贫不笑娼的无耻观点大行其道、爱慕虚荣只求出名、搏出位吸引眼球、为抢收视率和发行量无所不用其极的媒体小报、八卦市侩的狗仔文化……人类永远都在愚蠢的重复着过去……我们就是在这样的环境中生存。

每当看到电影海报上的那句话：“如果不能出人头地，那就声名狼藉吧！

”我就一阵恶寒==当道德渐行渐远的时候，会不会有人警告我们。

影片给出否定的答案。

罗克茜削尖了脑袋一心出名的梦想终于在牢狱中实现了，可悲的是她自己还非常享受这声名狼藉。

为了保住媒体曝光率，甚至想出假扮怀孕的老套伎俩。

她也曾经“ 拿乔”在比尔面前端架子，奚落维尔玛，但最后还是被比尔牵回去了。

愚蠢的罗克茜并不明白这种成名就像当时的美国股市那样“虚假繁荣”。

在新的“猎物”出现后，比尔和芝加哥媒体迅速的将她抛在了脑后，昙花一现的罗克茜上一秒还是全芝加哥的宠儿，下一刻就被遗忘了。

至于她的丈夫阿莫斯·哈特应该算全剧里最正常的人了，某种程度上代表着当时缺失的人类道德。

然而这个“道德”是多么的懦弱无能啊！

罗克茜给他“戴绿帽”他还得替她自首；罗克茜让他给自己准备律师费他就乖乖的东拼西凑到处借钱；得知老婆怀孕的消息（假的）兴奋的去找罗克茜却碰了一鼻子灰；痴心的等待无罪释放的老婆回家的他得到的只是罗克茜不甘心追逐媒体的背影。

最后，极度失望的他离开了。

这仿佛也预示着道德的离去。

夸张是放大了现实焦点。

五光十色的胶片带给我们的警示令人感到害怕。

这部出色的讽刺剧确实值得品评。

以上。

首先要澄清的是，我清楚地意识到创作者呈现某个特定题材并不等于其认同此种价值观。

但是此剧对一个具有现代性别意识的女性观众，的确是提供了被侵犯的观影体验的。

现代性别意识的缺乏看到部分豆瓣评论竟称此片是女权主义的，无奈之余，只想首先抛出一个显而易见的逻辑来驳斥此种观点——创作者聚焦和呈现女性（或者是别的群体）不天然构成对该群体的直接关怀，故事怎么讲的依然很重要。

全片的视觉元素和内容叙事无处不在暗示编剧和导演缺乏现代女性性别意识。

女性的着装和表演完全服从好莱坞主流的男权审美凝视，很物化女性的审美状态。

对于女性角色的勾勒，如果说要有突破，可能对比的只能是那些女性完全是附属角色的作品——在那些作品里，女性是扁平无姓名的状态，连作恶的能力都没有，隐藏在社会主流之外的第二性。

芝加哥里的女性，仿佛是更有力量，敢于作恶的，女子监狱的题材的确是好莱坞主流里比较少关注的。

但这种表面的虚掩一枪，在性别意识上与更倒退的那些片子其实大同小异，甚至此处的动机可以更恶劣——挟持弱势群体的故事以博人眼球。

目的并非是要激发社会正向关注，而只是利用奇观效应博取观众的好奇心，落脚点依旧是自己的作品能否获得实际利益。

具体来说，片子里的两位女主角，依然是弱势和受害者群体，喜怒无常和过分的情绪化。

我们当然可以争辩，喜怒无常和情绪化并非不可以是正面维度，但是大部分观众都可以明明白白产生对这种喜怒无常的负面体验，那么此种直觉式的反应留给观众的负面结果就不可以被忽视了。

反之，片中的男性主角大律师则一直以一种游刃有余自信的状态出现。

的确，片子对其的塑造是有讽刺意味的。

但男性居于主导地位的叙述也是明明白白传递出来的。

再次回到开篇抛出来的论点，创作者对这种现象的忠实呈现（的确，好莱坞是这么乌烟瘴气的），并非自证其对这种现象的认同，甚至有可能是出于想要批判的初衷。

但是，恰恰是因为此种偏见和陈腐的性别观念如此顽固的植入了普罗大众的认知，真正有效的打破方式必须是更决裂式的。

忠实的呈现，是不足以激发批判思维的，甚至容易被再次误读。

重述现实的讽刺式的批判在现代女性生存状态没有真正改善之前，很难成为行之有效的发声手段，话不说清楚的话，一些别有用心的人很有可能会说，她只是在欲拒还迎，是害羞吧。

此处，亦没有想要赶尽杀绝男性视角的意思，只是希望看到更多女性角度的凝视来丰富主流审美。

或者说，无论哪个性别的创作者，都能够审视一下自己故事里女性的状态。

优秀的歌舞剧视听语言抛开性别意识，放纵自己去欣赏的话，本片的歌舞剧视听语言的确是一流的，其中几段歌舞的形式（个人最喜欢的是六个女子在监狱的探戈和记者会提线木偶的两段）滴水不漏的宣告了形式可以如何反哺和支撑电影的内容意义。

所以最后又回到了那个老生常谈的问题，只能选一个的话，到底是要好心肠还是好才华呢？

20世纪20年代，浮华的芝加哥是爵士歌舞、狂欢纵饮和男欢女爱的天堂。

在经济虚假繁荣的时代，芝加哥也是令人寒心的灰色名利场。

歌舞电影《芝加哥》来源于莫林·沃特金斯的戏剧《勇敢的小妇人》，这部戏剧以1924年一件轰动一时的谋杀案为基础， 1927年被改编为舞台剧第一次搬上银幕。

经过多位导演的改编，在百老汇的舞台上赢得了无数掌声。

最新的银幕版本《芝加哥》，吸收了所有先行者的精华，包括沃特金斯的芝加哥寓言故事、抒情诗风格和美妙的旋律，继承了福赛设计的舞蹈动作加上电影制作的特殊技巧。

这些元素的结合，作为导演处女秀，让百老汇音乐剧演员出身的导演罗伯·马歇尔一举成名。

不仅如此，这部影片被影评家评为2002年十佳片之一,囊括2003年第75届奥斯卡13项提名和6项大奖，成为当年金像奖最大的赢家。

继2001年音乐片《红磨坊》获得轰动效应之后，《芝加哥》的出现也在世界影坛掀起狂澜,标志着一蹶不振的歌舞电影东山再起。

作为歌舞片，影片主要依靠歌舞来刻画角色和发展故事，演员的歌舞技巧为影片增色不少。

导演多次使用交叉蒙太奇的手法切换叙事，和许多充满创意的转场让故事和歌舞流转自然，打动人心。

20年代的爵士乐，歌舞升平的酒吧，昏暗氤氲的复古色调，刻意制造的老式打字机和照相机的复古音效，加上舞台擅长的各种灯光效果，影片巧妙利用声光色，呈现给我们一场视听盛宴。

一、懦弱呵，你的名字叫女人在充满欲望的瞳孔审视下，明星凯丽在幽蓝的舞台上演唱着“爵士天堂”，身怀六甲的凯瑟琳·塔泽-琼斯百媚丛生，在电影中做出了许多高难度动作，把女性的柔美曲线和魅惑撩人表现淋漓尽致。

而台下，一位金发红唇的女子洛克茜正做着明星梦。

2002年已摘过金球奖影后桂冠的蕾妮·齐薇格也是当红明星，细腻的演技将野心勃勃却心机不足的女子形象表现得丝丝入扣。

爵士的节奏热情铿锵，恰似洛克茜对偷情和梦想的一腔热血。

几分钟前，凯丽刚刚枪杀了偷情的丈夫。

犯罪和歌舞在交叉蒙太奇中完美结合，而所有犯罪的缘由，也都巧妙地借剧诗唱出“for all that jazz”,都是时代惹的祸。

浪漫的歌舞结束，凯丽当即被警察带走。

洛克茜的情人在激情过后，也百般厌烦戳破谎言。

得知被骗的洛克茜一怒之下枪杀了情人，也成为了罪犯。

当骗得丈夫替她顶罪，手电筒在她眼里成了聚光灯，灰色现实和粉色幻想对比鲜明，她神似玛丽莲·梦露，性感动人地歌颂着爱情。

得知真相的丈夫却突然加入，和洛克茜各自独白，同时在画面中怒吼、挣扎。

充满创意的对立和转场把二人之间的矛盾带回现实，而现实把洛克茜送进了监狱。

然而监狱和芝加哥的名利场并无两样，狱中的犯人也都野心勃勃。

监狱“大姐头”莫顿嬷嬷野性的独唱道出了监狱的“商道”。

导演长于发现现实中的元素和音乐的一致节奏，在洛克茜的幻想中完美将故事和歌舞结合。

监狱中的种种声音在她的脑海成为旋律，一场“女子监狱探戈”翩然而起。

六位犯人依次上场，讲述着自己的罪行。

这一段借鉴《芝加哥》之前成名的歌舞剧《黑暗中的舞者》的创意，又借助牢笼、丝绸和男伴为道具，让舞台更加丰富。

每一段独舞在暗红色的背景下都带着鬼魅般的剪影，刻画出令人战栗的骇人景象。

唯一的无辜者在白色灯光下行动如同注铅般沉重，简短的呻吟，没有辩驳，只有哀怨。

正如剧诗所唱，这是一群女人的谋杀，你却不能说是犯罪。

当爱情交织着阴谋和背叛，依附男权的女人恰是那个时代的弱者，而弱者一旦拿起武器，便名为犯罪。

群舞的舞步由导演精心设计，突出各种腿部弯曲的角度，使身体重心更接近地面，下半身具有弹性。

无论是前进、退步、踢腿还是地面动作，都强而有力，自由中不失妩媚性感，混乱中凸显仇恨和杀气。

灯光渐渐暗淡，舞蹈以女犯人们双腿横劈手部质问的姿态结束。

一曲作罢，一切都回复到舞台的最原始状态，她们依旧被关在铁窗内，她们攀爬、挣扎，强烈的顶光让她们的仇怨显得异常无力。

二、人生如戏，是谁在玩弄一群女子尽态极妍，跳着脱衣舞，呼唤着，从监狱到舞台，律师比利粉墨登场。

一段歌舞，道貌盎然地唱着爱情，却翻滚在金钱和肉欲之中。

曾主演过《美国舞男》《漂亮女人》《不忠》的理查德·基尔虽年过五旬，经过两个月的短暂训练，就能歌善舞，把这位爱钱如命、翻云覆雨的“法”场高手刻画得活灵活现。

即使如此，他却是追求名利者的福音。

凯丽花钱请他洗脱罪名，在监狱中也得到了嬷嬷的特殊照顾。

外表甜美的洛克茜是一只容易被玷污的小白兔，她很快学会了监狱的手段，利用丈夫收买了比利，和凯丽的地位也悄然互换。

在比利的巧言包装下，洛克茜变成了虔诚的修女，杀人犯变成了惹人怜的良家妇女，而司法审判则变成了一场表演。

新闻发布会沦为一场木偶戏，市侩媒体和洛克茜都被他的红线操控。

场面活像一个口技表演晚会，而洛克茜则是一个淫荡的洋娃娃。

导演在这里突出描绘了律师操纵传媒的能力，讽刺了司法和媒体的唯利是图。

这场欢乐的闹剧，让洛克茜一举成名，却也让她看透了自己的渺小。

一场独舞，洁白灯光下的洛克茜道出了作为人妻的心酸，被情夫欺骗的落寞，还有对美丽梦想的欲望，就像舞台多面的镜子一样，人性也具有多重性。

而被比利操控的演员，一旦时过境迁，只剩毫不留情的抛弃。

凯丽便是被遗弃的演员之一，于是她嫉妒，试图挑拨，也试图讨好合作。

面对洛克茜，凯丽利用椅子的一场独舞精彩绝伦，干净利落的动作，对椅子、楼梯、桌子道具的运用，恰当的切合了独白。

然而，在若隐若现的牢笼禁锢之下，她夸张的舞步和汹涌的征服欲尽显无力。

不论演员如何更替，芝加哥的好戏永远不会终止。

新的事故发生，更有噱头的女犯人吸引了比利的注意。

于是洛克茜灵机一动，用假孕来博取关注。

在影片灰色调的现实世界，新闻是犯罪的工具，真相没有出路。

凯丽东山再起，试图揭露洛克茜的谎言。

在法庭上，比利律师巧舌如簧的辩驳，舞台上，春风得意地歌唱，心花怒放地跳踢踏舞，镜头相互呼应，不难看出他对法律、媒体、民众的玩弄和欺骗是多么的得心应手。

最终，洛克茜被判无罪，律师比利完美收场，飘飞的时效性新闻中，是导演深深地讽刺。

三、迷梦和真相终将玉石俱焚唯一无罪的女犯人最终被判绞刑，灰蒙蒙的天空弥漫着死亡的气息。

舞台也极富隐喻地上演了“大变活人”。

一身洁白的天使僵硬地“蹦极”，凌空而降，正义被判了死刑，漠然的观众只有掌声，让人不寒而栗。

在压抑凝重的气氛让人不安是，比利在审判场的一段歌舞，讽刺地道出了事实：真相早已被屠杀。

这部讲述犯罪的影片唯一留下了一片纯净的心灵，是洛克茜的丈夫哈特。

哈特在宽阔舞台上的一段舞蹈宣泄着与众不同的人生观。

面对镜子，他将自己妆成小丑。

像个玻璃人，从不能得到关心，就连听众都麻木不仁。

像个小丑，心甘情愿被骗，只求得到妻子的关注。

在律师操控的法庭上，他对妻子的表演全然相信，为之动情，为之付出一切。

而女人却依旧沉浸在成为明星的美梦中，在欲望的诱惑下，洛克茜的内心悄然变化。

她的舞台从粉色变成了暗红色，服装也从白色变成了黑色。

然而现实却早已将她遗忘。

二战过后，曾经鼓吹的“美国梦”，变成了对个人成功的渴望，众多被浮名遮住双眼的人，凯丽和洛克茜只是其中之二。

影片结尾，随着女性意识的觉醒，她们也在追寻自立之路，尽管她们不得不利用、投靠男子，尽管独立之路漫长而坎坷，但付出终有回报。

片尾艳丽的舞台上，洛克茜终于和凯丽合作，一曲“爵士姐妹花”，隐隐若现的性感，小有心机的动作，她们赢得了星光和如雷掌声便是佐证。

然而导演的黑色幽默还没有结束，在这个爵士舞之后，便是美国的经济危机，芝加哥的爵士乐从此一蹶不振。

这场迷幻浮躁的明星梦，终将破碎。

《Chicago》这部电影就我的理解，是一部展现以女主角Roxie Hart和Velma Kelly为代表及其周围人物的在各自的欲望面前挣扎、矛盾，无所不用其极却不计后果不言后悔的心理电影。

无与伦比的视觉语言运用和画面色调处理，使这部电影当之无愧是一部光影巨作，优秀的、值得借鉴的、无可比拟的、令人惊异的画面、场景、情节实在是太多太多了，我无法也自知没有能力去一一详细读解。

每个人的想法不尽相同，我便以己之劣见分析一下的对影片中部分印象深刻和及其喜爱的情节所属摄影总谱和光影语言表达的效果的个人理解。

影片开场，就以一连串快速叙事蒙太奇富于逻辑性和节奏地交待了故事发生的地点——芝加哥夜总会，也间接表明了这个地点对之后的剧情起着重要的作用。

主角之一Velma出场，摄影机开始后跟，将观众带入戏，模拟出一种主观视角的效果。

同时，室内的戏剧光效营造舞台氛围，弥漫着花天酒地、醉生梦死的气氛。

另外一边，Roxie在夜总会内朦胧的柔光制造的幻想中，以一袭强烈的顶光照射和Velma角色互换，扭曲变形的效果使一个渴望成名、名利至上的女人形象跃入观众脑海。

如果Velma带来的是浮光转身的幻觉，那么Roxie上演的便是欲望躁动的现实。

影片采用了平行序列，舞台上的过饱和色彩和灰蒙蒙的大街，暖与冷，梦幻与现实，没有过渡，都在上演欢愉。

突兀和反差巨大的冷暖对比色彩也为这欢愉的短暂作了隐喻的暗示。

提及暗示，导演Rob Marshall在影片中可谓费尽心思，很多看似微小的细节都对往后的剧情起着重要作用，种种这些，都是暗示，值得深究。

接下来便举例说明一下。

我在这里大胆进行一下个人的揣测，从Roxie在楼梯上魅惑注视Fred的画面看，光将楼梯格纹投映到墙上，我是否可以以小见大地认为导演Rob Marshall在以一个上帝的视角为Roxie即将锒铛入狱作了一个预告性的暗示？

如果真是我所想，那么导演的丰富想象力和对视听语言表现手法的高超掌握，已足够我所钦慕崇拜了。

此外，歌词和场景配合天衣无缝，歌词言语之间的暗示、舞台与床第间动作的衔接，如此自然和谐，个人以为导演在本片一开始便利用视听语言上的小小细节暗示两位女主角Roxie和Velma之间不可分割的紧密联系，为故事情节的发展埋下伏笔。

接下来要探讨的便是色调光影语言中的对比作用。

Roxie杀人后镜子中折射的室内的暖，和潜意识幻想中的冷，形成对比，快速剪辑给人以突兀感，展现人物心理的不安和灵魂深处隐藏着的罪恶。

色调和光英在此处表达出的强烈且鲜明的对比作用。

而在警察明显怀疑Roxie丈夫的包庇和Roxie是杀人犯的场景中，直射光下的女主角显得无辜孱弱,拼命掩饰的罪恶感一览无遗。

随着人物动作的设计,主人公头转向，形成侧光,偏暖色调的戏剧光效营造出一种臆想,人物服装的暖色调与舞台背景的暗调形成对比,又交叉现实中袒护自己的丈夫与警察的对峙，展现出一种温馨感,随着音符节奏的加快又释放出一种不安、不祥之感。

打在女身上的暖色光与丈夫身上的冷色光又是鲜明的对比。

两人互相指责的说辞便是夫妻反目、最后妻子锒铛入狱的铺垫。

锒铛入狱之时，一小段前跟镜头显得凌乱不和谐，从犬色声马的浮华被推入黑暗无垠的冰冷牢狱，外加空寂大街上营造出的大气透视效果，真实而又离奇地展现了现实的多变。

紧接着，影片中又一重要人物女狱长嬷嬷富有戏剧化的出场，有效地利用了影子这一元素，逆光且过曝光大气透视效果作为臆想世界的转场，加以现实的冷色调与臆想的暖色调对比，唯利是图的贪婪形象具化生动。

舞台戏剧化的影子出场、现实与臆想前后交叉的同一动作连接，舞台追光效果和台下掌声无一不体现嬷嬷唯我独尊的妄自尊为，投影便是潜意识内心深处的欲望本性的象征。

段歌舞结尾处的逆光戏剧光效又进一步塑造了贪婪中的些许邪恶。

最后便是对于对比蒙太奇在画面的表达、构成及剧情的呈现上的探讨。

这个片断出现在Roxie 入狱后的第一夜。

随着一连串流畅奔放的快速剪辑蒙太奇，舞台和现实一片离奇的混沌，女囚们上演了一出华丽反叛愤怒不羁的音乐舞台剧，导演在此处再一次运用了令人惊叹的视听语言手法，灯光的明灭象征着焦躁与矛盾,重现了女囚犯罪时刻的不可忍耐的暴力因子的叫嚣。

接着是女囚们分别出场进行“自我申诉”。

第二个女囚出场的构图颇具玩味性，导演通过以一个男人的下半身为前景，女囚一出场便成为“胯下之臣”，影射性地交待了其情杀动机，最后一个动作的设计与之呼应，男人在她的身下“俯首称臣”，又是一种对本末倒置的大反差结局的预示，讽刺意味强烈。

过程中灯光忽明忽暗，暗示且象征着情节的起伏。

最后一段群舞画面充斥着明暗光影色彩的反差对比，叫嚣着的红和落尾处的黑，是否可以浅显地理解为是一种颜色的心理暗示，女囚们在欲望中的挣扎与矛盾一览无遗。

值得一提的是导演在影片中充分发挥了镜子的最大作用。

在获得金牌律师X的帮助下名声大噪的Roxie的内心独白中，镜子将Roxie得意洋洋、名利野心和八面玲珑用画面呈现出来，我们完全可以从越来越多的镜子中折射出的越来越多的影子，看出Roxie内心的复杂和多变。

而在影片开头对夜总会后台粗糙的呈现中，布景的特色就在于镜子所增加的空间感，构图上来说很新颖。

鉴于个人比较钟爱Roxie丈夫的舞台片断，便做以下简要赏析。

Roxie的丈夫在与律师交涉时第一次正式有了内心世界的独白，现实与臆想形成交叉蒙太奇，在臆想的舞台上，背景以暗调为主，且自始至终都有低光光效所致的一个巨大的影子在他身后相随，如果说嬷嬷的影子是贪婪本性内心欲望的象征，是人格的另一半存在，那么X的便是被他的影子淡化了存在感，让人印象深刻，默默无闻，受尽类似X律师甚至妻子X的忽视。

同时又被影子吞噬，在深爱的妻子为名利的极端欺骗前迷失了自我，乃至成为了骗局中的一个参与者。

最后的逆光剪影效果更是加深了黑暗的吞噬感，他俨然已经成为了妻子Roxie名利道路上的一枚棋子。

有一类电影，它们堪称典范，只能模仿，无法超越。

可《Chicago》的完美让所有的模仿只是种空白。

或许《Chicago》让人百看不厌是不仅因为它歌舞升平、浮光溢彩。

而是它流离张弛、惊艳风情的电影摄影视听种种语言，让人在大呼过瘾的同时感受到人物在浮光转身之后的，那摆脱不掉的欲望躁动。

2009.3.5.影评课期末考试作业